domingo, 25 de febrero de 2018

Cómo hacer un análisis de obra musical en selectividad

En selectividad necesitamos descomponer las obras en sus parámetros siguiendo el guión que se nos facilita, para ello es importante que utilices el lenguaje técnico con propiedad.

Lo más importante sea la obra la que sea, es saber qué se debe responder en cada apartado, ya que un fallo muy común es que estés hablando por ejemplo del timbre y hagas referencia a la textura, esto es, no debes mezclar parámetros.

RITMO:
a. Tipo de ritmo: Binario o ternario y también puede ser libre como en el canto gregoriano (jamás digas "no tiene ritmo"). También podemos encontrar los ritmos binarios y ternarios con subdivisión ternaria. Prácticamente hasta el siglo XX no vamos a encontrar obras con ritmos compuestos o de amalgama.

b. Compases: Como ya sabes, muchas obras no tienen compás como le ocurre al canto llano, algunas formas improvisatorias como los preludios o algunas obras contemporáneas. El compás aparece tras la clave, lo verás en forma de indicación del tipo 2/4, 3/4, 2/2 etc.

c. Tempo: es la velocidad del ritmo. Muchas veces no se indica en la partitura. Por eso debemos hacer uso de la versión grabada para determinar qué velocidad sigue. Los tempi (plural de tempo) más comunes de más lento a más rápido son: largo, adagio, andante, moderato, allegro y presto, si bien en obras de música antigua no debes emplear los términos italianos, sino describirlos en castellano con palabras como lento, rápido o moderado. Recuerda que hasta el barroco no vamos a tener tempi extremos.

d. Otras observaciones de interés con respecto al ritmo. Debes preguntarte lo siguiente:
¿Permanece el ritmo constante a lo largo de toda la obra o hay variaciones?
¿Se producen inflexiones rítmicas como ritardando o accelerando?
¿Hay secciones lentas y otras rápidas?
¿Hay motivos rítmicos repetidos?
¿Hay cambios de compás a lo largo de la obra?
¿Hay pasajes con predominio de notas largas y otros de notas cortas como semicorcheas?

MELODÍA:
a. Tipo de melodía:
Melodía diatónica: si no presenta alteraciones tipo sostenido, bemol o becuadro.
Melodía cromática: si presenta frecuentes alteraciones. Esto es propio de la música del siglo XX.
Melodías por grados conjuntos: Las notas van por pasos, se mueven por la escala a las notas adyacentes sin dar saltos.
Melodías por saltos: normalmente se desarrollan desplegando acordes, realmente podemos hablar de acordes arpegiados.
Melodías en forma de arco: Son melodías que comienzan en el grave, se dirigen al agudo y vuelven al grave. La nota más aguda se llama cénit o clímax melódico.
Otrsos diseños melódicos son:
Melodías en arco invertido: Empiezan y acaban en el agudo.
Melodías descendentes: Empiezan en el agudo y terminan en el grave.
Melodías ascendentes: Empiezan en el grave y terminan en el agudo.
Las melodías pueden ser de ámbito estrecho si no sobrepasan un intervalo de quinta, esto es propio de la música vocal. Las melodías que sobrepasan el ámbito de octava las denominamos de ámbito extenso.

b. Otras observaciones de interés: 
Observa si hay secciones cuyas melodías van por saltos y otras por grados conjuntos.
Observa los intervalos característicos, por ejemplo, saltos de quinta o de octava.
Observa si la melodía es cantable o de carácter virtuoso, propia de la música instrumental.
Observa si la melodía en realidad se trata de uno o varios acordes desplegados.
En música modal (las que utilizan modos y no tonalidades) especialmente en canto llano, las melodías tienden a terminar en el grave, hazlo constar en tu análisis.

TEXTURA
a. Tipo de textura:
Recuerda que básicamente hay dos tipos de textura: monodía (una sola melodía) y polifonía, pero es importante saber que dentro de la polifonía podemos encontrarnos con:

Homofonía: todas las voces tienen el mismo ritmo y diferentes notas. Por lo general, La voz aguda lleva la melodía principal y las demás hacen la armonía.
Contrapunto: todas las voces tienen diferentes ritmos y notas. Todas las voces de la composición son melodías con sentido propio y tienen la misma importancia.
Melodía acompañada: hay una melodía principal y el resto de las voces o instrumentos hacen el acompañamiento. El bajo continuo barroco es un ejemplo de ello.

b. Otras observaciones de interés:
Observa si hay cambios de textura, por ejemplo secciones homofónicas combinadas con secciones contrapuntísticas.
Observa si las voces entran de forma escalonada o todas a la vez.

TIMBRE
a. Voz, instrumento, conjunto vocal o instrumental:
Si se trata de voces, debes indicar si se trata de un coro de voces iguales (como en el canto llano) o voces mixtas (voces blancas o agudas y voces graves masculinas).
Si se trata de instrumentos, debemos indicar si es una obra para un instrumento solo como una sonata para piano, música de cámara (dúo, trío, cuarteto o grupo de cámara), para orquesta sinfónica (cuerda, madera, metal y percusión) o para otras agrupaciones como una banda de música. Si es el caso de la ópera, señala la relación entre voces e instrumentos.

b. Otras observaciones de interés
Debes comentar cambios de timbre que puedan dar variedad a la obra. En el canto monódico puedes incidir en el contraste entre solista y coro, o en la resonancia de la iglesia. En polifonía, si hay alternancia de voces o pasajes con cambios de timbre, por ejemplo que se desarrollen en el agudo o en el grave y su relación con el texto, como ocurre en el madrigal.
En música sinfónica observa los cambios de protagonismo en las diferentes familias: cuerda, madera, metal y percusión.
Si hay voces e instrumentos como ocurre en la ópera recuerda señalar el papel de los instrumentos, si doblan las voces, tienen un papel secundario o bien hacen adornos o imitaciones.
Si es un instrumento a solo, debes comentar si hay contrastes de intensidad que puedan variar el timbre. En el caso del piano señala si hay pasajes en el grave lo que oscurecería el timbre.

FORMA
Las formas musicales son subgéneros en los que catalogamos las obras musicales.
Entre las obras vocales recuerda que tenemos formas religiosas como la misa, el motete, el oratorio, la pasión, el coral luterano o la cantata.
Entre las profanas podemos destacar la ópera, la cantata profana, el villancico, el romance, el lied o la zarzuela entre otras.
Entre las formas instrumentales destacadas señalaremos las de solista como la sonata y la tocata en el barroco, la sonata clásica (exposición-desarrollo-reexposición) y una gran variedad de formas para piano en el romanticismo, entre ellas el estudio, el impromptu, la fantasía, las variaciones y el nocturno. Entre las obras para conjunto tendremos las formas camerísticas como el trío sonata o el cuarteto de cuerda, la sinfonía, la suite, el concierto, el concerto grosso o el poema sinfónico.

b. Otras observaciones de interés con respecto a la forma
En este apartado debemos descubrir la estructura interna de la obra. Recuerda que las más importantes son:
Tema con variaciones: A, A1, A2, A3, A4...
Forma Rondó (una sección actúa de estribillo) A-B-A-C-A-D-A
Forma lied ternario: A- B- A. También es forma ternaria el aria da capo, dejándose la A final para improvisación y lucimiento de los cantantes (A- B- A´)
Forma danza de suite: AABB

GÉNERO
Existen diversas clasificaciones:
Género vocal o instrumental: si la obra es para voces o para instrumentos. Si aparecen voces acompañadas de instrumentos hablamos de género vocal
Género religioso o profano: Si la función es o no religiosa.
Género descriptivo o música pura: Es descriptiva si se inspira en un ambiente, época, paisaje o pretende narrar una historia con medios puramente musicales (como el poema sinfónico). Llamamos música pura la que sólo pretende deleitar por medios musicales sin basarse en un elemento extramusical.

Otra diferenciación por géneros la establecemos entre la música culta y popular. La música culta emplea recursos más elaborados y las obras pueden tener mayores dimensiones, además se escribe en una partitura, mientras que la música popular es más sencilla, de tradición oral y se transmite de generación en generación, pero no es objeto de estudio en las pruebas de selectividad.

PERIODO ARTÍSTICO
Los periodos artísticos principales de la historia de la música son: Medievo, Renacimiento, Barroco, Clasicismo, Romanticismo (que incluiría el Nacionalismo) y Música contemporánea (donde encontramos un sinfín de escuelas y tendencias como el Impresionismo, Expresionismo, Dodecafonismo, Neoclasicismo, Futurismo, Minimalismo, etc.)



jueves, 25 de enero de 2018

TERMINOLOGÍA SELECTIVIDAD


TEMA 1


 A capella: Conocemos como música a capella la que es interpretada sólo por voces sin acompañamiento instrumental alguno. La palabra a capella significa “en capilla” al ser este estilo frecuentemente utilizado en la música religiosa tanto en el monasterio como en la liturgia. El género más representativo del canto a capella es el canto gregoriano, que era interpretado por un grupo de cantores en monodia, es decir, cantando la misma melodía. A fínales de la edad media y en el renacimiento destacó el canto polifónico a capella.

Disonancia: Sensación tensa o desagradable en la percepción de varios tonos que suenan a la vez, según lo establecido por las reglas de la armonía clásica. La disonancia conlleva una sensación de inestabilidad que pide ser resuelta en una consonancia en la armonía tonal. Son disonancias la 2ª, la 7ª y la cuarta aumentada (fa-si).

Madrigal: Forma musical vocal propia de la Edad Media y del Renacimiento. De carácter profano. Desarrollado principalmente en Italia y de textura polifónica. Algunas voces en el madrigal pueden sustituirse por instrumentos. La temática del madrigal es sobre textos de alta calidad literaria y versan sobre amor y temas épicos principalmente.

Motete : Forma polifónica de tema y función religiosa del género vocal. Se desarrolla en la Edad Media y tiene como característica presentar textos diferentes en cada una de las voces. En el Ars Antiqua (s. XII-XIII) una de las voces presentaba un canto gregoriano (cantus firmus) y las demás eran de libre composición. Con posterioridad, todas las voces se compusieron de libre creación.

TEMA 2

Contrapunto imitativo: Técnica compositiva que tuvo su esplendor en la época renacentista consistente en la presentación de un motivo melódico en una de las voces o partes y su posterior repetición en otra/s de las voces. La forma más simple de contrapunto imitativo es el canon que es la repetición literal de la melodía completa en otra u otras voces de la polifonía

Claves: Indicaciones que colocadas al principio de la partitura informan acerca de la altura de las notas en ella. La forma de las claves procede de las letras que en la edad media se utilizaban para denominar a las notas. De esta forma la clave de sol (empleada para instrumentos agudos como el violín o la flauta) viene de la letra G, la de fa (para instrumentos graves como el violonchelo) procede de la letra F y la de do (para instrumentos de altura media como la viola) de la letra C.

Consonancia: Llamamos consonancias a los intervalos permitidos en la armonía clásica por su “buena sonoridad”. Fue establecida por los pensadores griegos partiendo de las proporciones simples (½, ¾). Las consonancias fueron puestas en práctica en la edad media considerando como tales las determinadas por los griegos, esto es: la octava, la quinta justa y la cuarta justa, si bien intervalos como la tercera y la sexta fueron considerándose consonancias con el paso del tiempo, especialmente en la polifonía del renacimiento.

Alteraciones: Llamamos alteraciones a las indicaciones que suben o bajan en medio tono la altura de una nota a la cual acompañan. Son las siguientes: Sostenido (#), que leva en medio tono la nota que acompaña. Bemol (b) rebaja en medio tono la nota que acompaña y becuadro, que anula el efecto de las anteriores. Si aparecen detrás de la clave las llamamos alteraciones propias, afectan a todas las notas de la pieza, mientras que las que aparecen de forma esporádica se llaman accidentales


TEMA 3

Bajo continuo: Textura utilizada en la época barroca consistente en la utilización de un instrumento agudo para el plano melódico (violín, flauta), un instrumento armónico (clave, órgano) que desarrolla los acordes con la mano derecha y el bajo con la izquierda, y un instrumento grave (viola da gamba o violonchelo) que desarrolla el plano grave de la composición.

Aria: Composición vocal que suele interpretarse en una obra de carácter lírico: ópera, cantata, oratorio, etc. Aparece como forma en las óperas barrocas del siglo XVII. Sus estructuras más comunes son las arias bipartitas (AA´BB´) y el aria da capo de forma ABA´ en la cual la repetición de la A al final servía para la improvisación y lucimiento de los cantantes. En el aria la acción se detiene y se muestran los sentimientos de los personajes.

Bel canto: Estilo vocal fundamentalmente italiano, basado en la belleza e igualdad del sonido, en el fraseo a partir de una depurada técnica y agilidad de los adornos. su uso se extiende del s. XVII a comienzos del XIX. El último compositor belcantista auténtico fue Gioacchino Rossini. Su época de esplendor es el periodo barroco, con las llegada de la reforma de Gluck se limitaron los adornos vocales en favor de una clara melodía.

Concerto grosso: Composición barroca para varios instrumentos solistas que dialogan con un grupo instrumental u orquesta llamado tutti o ripieno. Su estructura es en tres movimientos Rápido-Lento-Rápido. Uno de los ejemplos más destacados de concerto grosso es la serie de Seis conciertos de Brandemburgo de Johann Sebastian Bach.


TEMA 4

 Forma de sonata: Estructura musical cuyo esquema clásico se define por una exposición, desarrollo y reexposición. En la sonata clásica, en la exposición se presentan dos temas, el primero en la tónica y el segundo tema en el V grado (dominante), tras un desarrollo donde se elaboran los temas, la reexposición presenta los dos temas en la tonalidad principal (tónica). 

Cuarteto de cuerda: El térnimo tiene dos acepciones. La primera ellas hace referencia a la plantilla de cámara preferida en el periodo clásico-romántico integrada por un violin primero, un violín segundo, una viola y un violonchelo. Fue consolidado por Franz Joseph Haydn hacia 1770. Una segunda acepción hace referencia a la estructura de sonata aplicada a esta plantilla.


Calderón: Indicación que colocada sobre una nota o acorde en el pentagrama indica una suspensión temporal del ritmo hasta que el director dé la nueva entrada o el intérprete considere oportuno. El calderón se escribe como un punto coronado por un arco. Suele emplearse al final de obras o fragmentos o para crear tensión a mitad de un discurso musical.

Armonía: Rama de la música que estudia los acordes sus encadenamientos y las relaciones existentes entre ellos. También estudia las consonancias, es decir, las superposiciones de notas “que suenan bien” para un oído clásico y las disonancias o notas que necesitan de un tratamiento especial para emplearse en la composición por su sonido desagradable según un oído clásico.


TEMA 5

Acorde: Es la superposición de tres o más notas de forma que suenan a la vez, si bien el acorde puede tocarse desplegado (unas nota tras otra), lo que conoceríamos como acorde “arpegiado” palabra que deriva de la forma en que el arpa los interpreta. Los acordes triada (de tres notas) pueden ser mayores o menores dependiendo de la distancia entre la tónica y la tercera del acorde. Los acordes triada se constituyen por una nota tónica, otra nota a una tercera de distancia y otra nota a una quinta de distancia. (1ª-3ª-5ª)



Folklore : Palabra que deriva del alemán Volk: pueblo y Lore: cultura o tradición. Etimológicamente sería “cultura popular”. Como término musical está referida  la música que emana del pueblo con dos características: es anónima, lo que significa que se atribuye su autoría a una colectividad, y de tradición oral. La forma de perpetuarse es por aprendizaje de generación en generación.



Palo flamenco: Llamamos palo a cada uno de las ramas o estilos que componen el cante flamenco. Los principales palos de flamenco son la soleá, la seguiriya, el fandango, y las tonás ( o cantes sin guitarra). Estos son los palos del cante jondopero además hay sones aflamencados como los de influencia exterior (de América o de otras zonas de España).

Leit-motiv: Significa literalmente motivo conductor. Llamamos leitmotiv (en plural leitmotiven) a una melodía asociada a un personaje. Esta idea de asociar una melodía a un personaje se le atribuye a Richard Wagner que empleó tal recurso en sus óperas. El cine ha empleado ampliamente esta técnica para anticipar la aparición de un personaje o reforzar la imagen ante su presencia.

domingo, 14 de enero de 2018

Análisis Introito "Puer natus est nobis"

Ritmo
a) Tipo de ritmo: No se atiene a medida regular siguiendo el ritmo del texto.
b) Compás: No tiene.
c) Tempo: No se indica en la partitura siguiendo en la audición el tempo natural de la palabra hablada.
d) Otras observaciones de interés: algunas notas aumentan su duración en la interpretación según se indican el los punctum mora vocis en las silabas al final de cada miembro de frase y de inciso. Estos puntos a su vez coinciden con los signos de puntuación del texto.

Melodía
a) Tipo de melodía: diatónica con salto significativo de quinta en la primera sílaba. El movimiento en general de las notas es por grados conjuntos con algún salto de tercera tanto ascendente como descendente. La tendencia de la frase melódica es acabar en el grave.
b) Otras observaciones de interés: El estilo de la melodía es neumático, es decir, por lo general hay un neuma por sílaba. La melodía está en modo VII por tener la final en sol y la dominate en re como puede comprobarse en el salmo que repercute sobre la nota re con final en sol. 

Textura: 
a) Tipo de textura: monódica
b) Otras observaciones de interés: La reverberación del recinto provoca que unas notas queden mantenidas mientras suenan las siguientes, esto es, que se solapen. Se crea pues un efecto armónico.

Timbre
a) Voz, instrumento, conjunto vocal e instrumental: Grupo de voces masculinas.
b) Otras observaciones de interés: El grupo de voces canta a capella, es decir sin acompañamiento instrumental alguno. Aunque estaba permitido el uso del órgano en la iglesia, la interpretaciòn más purista, como la que escuchamos, no lo utiliza.

1b. Forma, género musical, periodo artístico, autor y título de la obra.
a) Forma: Canto gregoriano. Estructura ternaria de la siguiente forma A (antífona) - B (salmo y gloria)  - A (antífona)
b) Otras observaciones de interés: el Gloria no aparece en la partitura pero debe añadirse al ser costumbre añadirlo tras el salmo (Ps).

Género: Vocal religioso, canto gregoriano.
Periodo artístico: Alta Edad Media
Cronología: Siglos V al XIII
Título: Pues natus est nobis
Autor: Anónimo

jueves, 11 de enero de 2018

TEMA 1. LA MUSICA EN LA EDAD MEDIA. Canto Gregoriano, lírica trovadoresca y danzas medievales



TEMA 1. LA MUSICA EN LA EDAD MEDIA. Canto Gregoriano, lírica trovadoresca y danzas medievales

Entorno histórico de la Edad Media
La Edad Media es un periodo que se extiende del siglo V al XV. En el siglo V se produce la caída del Imperio romano de occidente debido a las invasiones de las tribus germanas que va a suponer un retroceso cultural comparado con la tradición grecolatina. Podemos considerar como final de la edad media el siglo XV por la caída de Constantinopla, la invención de la imprenta y el descubrimiento del Nuevo Mundo. 

La teocracia es el sistema imperante en el pensamiento medieval consistente en considerar a dios como centro de toda la creación. Incluso el poder político se legitima por designación divina. Clero y Monarquía son los grupos de poder que representan a dios en la tierra.

El libro del apocalipsis dominará el pensamiento de la alta edad media y esto se refleja en el arte románico (austero y oscuro) mientras que la baja edad media tiene como referente los evangelios. De esta forma, el arte gótico tiende a la verticalidad y la luminosidad.

Durante el periodo románico, la música religiosa es abundante (ya que la iglesia domina la cultura) y la encontramos en forma de canto gregoriano, solemne y austero, mientras que en la época del gótico la aparición de la polifonía supone una tendencia hacia lo vertical, como ocurre también en la propia arquitectura.

En el campo profano, las cortes nobiliarias desarrollan un género de literatura culta basada en el amor cortés que conocemos como lírica trovadoresca, que será auspiciada y practicada por la nobleza.   

En la alta edad media el sistema social imperante es el feudalismo que impone una relación de vasallaje o fidelidad al señor feudal, por otro lado, la baja edad media viene dominada por la aparición de la burguesía y el desarrollo de las ciudades.


Características de la música medieval: El canto gregoriano

El canto gregoriano es una recopilación de cantos de la iglesia cristiana elaborada por el papa San Gregorio Magno a principios del siglo VII que unificó en un repertorio oficial las diferentes liturgias europeas.

El canto gregoriano:
- Se canta latín
- Los textos son sacados de La Biblia, aunque también se complementa con himnos a santos y a la Virgen María.
- Es una música monódica, con lo cual todos cantan la misma melodía.
- Se canta a capella, es decir sin acompañamiento instrumental.
- Es una canto destinado al culto, tanto en el oficio monástico como en la liturgia.
-  Presenta tres estilos de composición: silábico (una nota por sílaba), neumático (varias notas por sílaba, 2 ó 3) y melismáticos (muchas notas por sílaba, como los cantos del Aleluya).
- Las escalas utilizadas se llaman modos y son en total ocho (oktoechos). Cada uno de los modos genera una sensación o emoción (alegría, solemnidad...)
- El ritmo es libre, no se atiene a compás, más bien depende del texto.
- La escritura del canto gregoriano evolucionó desde la notación adiastemática (en campo aperto) donde unos trazos o neumas se colocaban sobre el texto a modo de regla nemotécnica, hasta la notación diastemática consistente en figuras cuadradas sobre cuatro líneas.
- Los cantos gregorianos se cantaban en torno a la liturgia o misa y los principales eran Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei. En los monasterios además se cantaban varias oraciones al día como maitines, vísperas, laudes y completas.

Embellecimientos de la liturgia:
A pesar de la prohibición explícita de no incorporar cantos nuevos al repertorio oficial establecido por San Gregorio Magno, se amplía dicho repertorio al incorporar embellecimientos a la liturgia, especialmente en festividades importantes (días de santos o de la Virgen). Los principales embellecimientos son: 

* Tropos: son añadidos de texto, de música o de ambas cosas a un canto llano
* Secuencias: tropos independizados especialmente procedentes del Aleluya y del Benedicamus Domino en forma de versos rimados con una estructura musical pareada aa, bb, cc, dd...
* La polifonía: En un principio, consistía en añadir una melodía al canto llano a distancia de octava, cuarta o quinta, o bien sobre una nota tenida. La voz añadida al cantus firmus se conoce como "discantus".

La escritura neumática del canto gregoriano 
Los primeros intentos de escritura de las melodías de canto llano se hacían en forma de grafías llamadas neumas sobre el propio texto como sistema nemotécnico para indicar las subidas y bajadas melódicas pero no podían precisar las alturas de las notas. A esta notación sin uso de líneas la conocemos como adiastemática o in campo aperto, es el caso de la notación sangalense.



La aparición de una línea o dos líneas que marcaban las notas do y fa hizo que el sistema de escritura fuera más fiable. A la notación sobre líneas la conocemos como diastemática y la pauta más frecuente en canto llano es la de cuatro líneas o tetragrama, como es el caso de la notación cuadrada vaticana.





En la siguiente tabla podemos observar neumas de las notaciones citadas:


La lírica profana: el movimiento trovadoresco
El movimiento trovadoresco tiene su germen a principios del siglo XI en Occitania, región de Francia donde se hablaba la lengua de ´Oc. Los trovadores del sur de Francia desarrollaron un propio género basándose en la idea de "amor cortés", es decir, un concepto platónico del amor donde se idealiza a la persona amada.

Llamamos trovadores a los compositores que escriben en lengua de ´Oc también llamado provenzal, troveros a los autores del norte que escriben en francés y Minnesinger a los que utilizan textos en alemán.

Técnicamente, las canciones trovadorescas seguían el sistema de melodías modales y utilizaban una métrica con ritmo a diferencia del canto llano.

Podemos clasificar el repertorio trovadoresco según su temática:
Chansons: de amor cortés,
Sirventés: donde se elogia la fidelidad de un caballero a su señor,
Plantus: llanto a la muerte de un noble,
Canciones de Cruzadas y cantares de gesta: de temática bélica,
Albas: sobre amantes adúlteros que tienen que separarse.

El trovador es el compositor, generalmente de clase alta y no debe confundirse con el juglar que es quien interpreta de forma itinerante.

Las danzas medievales 
Debemos desctacar que nobles y pueblo no se mezclaban en los encuentros de danza y que cada uno desarrolló formas propias, unas de corte y otras del pueblo.Podemos destacar entre las danzas medievales:
- Virelai y balada: exclusivas de corte
- El carol y el rondellus: para ser bailado en corro
- Danza alta: en la que se levantaban las rodillas
- Danza baja: en la que se deslizan los pies por el suelo
- Saltarello: con saltos como movimiento básico
- Tarantella: de movimientos frenéticos a la que se atribuía el poder de curar la picadura de la tarántula.
- Estampida: danza rápida de ritmo ternario.

Cita y comentario de obras y autores 
Por su propia naturaleza, la música religiosa en tiempos de la unificación del culto cristiano por parte de San Gregorio Magno carecía de autores conocidos, si bien con el desarrollo de secuencias e himnos sabemos de la existencia de compositores como Wipo de Borgoña, Guido d´Arezzo, Walter Oddington, Santo Tomás de Aquino y Tomás de Celano.

En el campo profano destacamos trovadores como Adam de Halle, autor de Le jeu de Robin et Marion para ser cantada e interpretada y basada en la leyenda de Robin Hood, Bernard de Ventadorn, autor de Can vei la lauzeta mover prototipo del amor cortés y la condesa Beatrix de Día en la misma línea. A un estilo más crítico y oscuro pertenece Marcabrú quien escribiera Pax in nomine domini, una feroz crítica a la hipocresía del clero y la nobleza de su época.

Dentro de los troveros mencionamos al famoso rey Ricardo Corazón de León en Inglaterra. Alfonso X el sabio en España fue un rey trovador cuya obra más destacada son las Cantigas de Santa María escritas en alabanza a la virgen María. Otras cantigas en galaico-portugués las encontramos en las composiciones de Martín Códax de quien destacamos sus cantigas de amigo.

Entre los Minnesinger hayamos al más grande poeta medieval en lengua alemana: Walther von der Vogelweide en cuya obra Under der linden (Bajo el tilo) narra el amor entre un noble y una campesina en un ambiente de naturaleza.


















Cómo hacer un análisis de obra musical en selectividad

En selectividad necesitamos descomponer las obras en sus parámetros siguiendo el guión que se nos facilita, para ello es importante que util...